Translate :
 
 
 
 
 
 
 

BIOGRAFI ARTIS DAN SENIMAN ABAD KE - 18
[ Antoine Watteau - Jacques-Louis David - Antonio Canova - Giambattista Tiepolo - Francisco José de Goya - Sir Joshua Reynolds - Thomas Gainsborough - William Hogarth ]

 

Jean-Antoine Watteau
Jean-Antoine Watteau (10 Oktober 1684 - 18 Juli 1721) adalah seorang pelukis Perancis.
Selama abad ke 18, ada minat yang berkembang di dan penerimaan yang besar dari alam. Bukan hanya bumi, pepohonan, dan bunga, tetapi juga penerimaan manusia sederhana mendesak dan naluri meningkat. Umat ??manusia sekarang dilihat sebagai aspek yang paling menarik dari alam: baik, cantik, jelek atau kasar ... atribut ini semua diterima dalam konser dengan gagasan bahwa hal-hal dari alam tidak bisa buruk. Ini adalah waktu yang tepat untuk Jean Antoine Watteau datang atas tempat kejadian karena ia memang merasa simpati dan afinitas terhadap umat manusia. Watteau lahir di kota Flemish Valenciennes, yang baru saja dianeksasi oleh Louis XIV raja Perancis. Ayahnya adalah tiler master. Tidak banyak yang diketahui tentang keluarga Watteau kecuali bahwa ayahnya adalah seorang pembuat genteng yang rentan terhadap minum dan berkelahi. Menampilkan minat awal dalam melukis, ia magang ke Jacques-Albert Gerin, seorang pelukis lokal. Gambar awal adalah dari warga kota setempat, penjaga toko, dan badut jalanan di Valenciennes. Seperti artis muda lainnya, Jean Antoine pergi ke Paris pada 1702 dengan harapan memasuki studio di mana ia bisa menyempurnakan seni. Dia bekerja sebagai pelukis tingkat kedua sebelum menjadi berkenalan dengan Claude Gillot. Gillot adalah seorang desainer ditetapkan untuk panggung dan itu Gillot yang terkenal Watteau ke dell'arte Commedia. Tema-tema teater yang muncul di seluruh oeuvre Watteau: contoh adalah Le Mezzetin (1718) yang dapat dilihat di New York Metropolitan Museum dan pekerjaan Gilles kemudian di Louvre. Tidak diketahui berapa lama Watteau tetap dengan Gillot, tapi Watteau juga belajar dengan dekorator Claude Audran di 1708. Begitu banyak terbuat dari fakta bahwa Watteau adalah penemu dari Galante Fete, bahwa kontribusi untuk dekorasi hias abad 18 hampir tidak diketahui. Di bawah Audran, Watteau menjadi berperan dalam mengembangkan apa yang dikenal sebagai chinoiseries dan singeries. Ini dekorasi didasarkan pada materi pelajaran oriental dan motif monyet yang diterapkan untuk panel, furnitur dan porselen.

Pada 1703, ia bekerja sebagai asisten oleh pelukis Claude Gillot. Di studionya dia mengambil kontak dengan karakter dari dell'arte komedi, subjek favorit yang Gillot, dan satu yang akan menjadi salah satu gairah seumur hidup Watteau itu. Setelah itu ia pindah ke bengkel Claude Audran III, desainer interior, di mana ia belajar untuk mengilhami gambar dengan keanggunan yang sempurna yang telah datang untuk menggambarkannya. Audran adalah kurator Palais du Luxembourg, di mana Watteau bisa melihat seri megah kanvas dilukis oleh Peter Paul Rubens untuk Ratu Maria de Medici. Para pelukis Flemish akan menjadi salah satu pengaruh utama, bersama dengan para empu Venesia ia kemudian belajar di koleksi pelindung dan teman, bankir Pierre Crozat.

Pada 1709, Watteau bersaing untuk Prix de Roma tapi gagal untuk mengambil tempat pertama. Pada titik ini ia meninggalkan Paris, dan kembali ke rumah untuk menghibur dan mengisi kembali dirinya sendiri. Dia merasa bahwa itu dari kota asal bahwa ia berasal kekuatannya. Bahkan, di kemudian hari, ketika ia meninggal akibat TBC, ia yakin bahwa jika ia bisa sampai di rumah ia akan menjadi lebih baik. Itu mungkin juga latar belakang Flemish nya yang memberikan untuk Watteau kekagumannya dari Peter Paul Rubens, yang merupakan pengaruh utama pada tahun-tahun pembentukan Watteau itu. Meskipun mungkin sudah akrab dengan Rubens, itu posisi Audran sebagai Penjaga di Istana Luksemburg yang memungkinkan Watteau untuk mempelajari Rubens 'Marie de Medici seri. Watteau juga mempelajari Venesia besar dan khususnya dihargai Veronese dan Titian. Penggabungan dari semua pengaruh dan gaya sendiri painterly Watteau yang kemudian dikenal sebagai Rubenisme, salah satu gerakan seni yang paling penting di Perancis pada abad ke-18.

Pada 1712, Watteau lagi berkompetisi di Prix de Roma. Tidak ada hadiah yang ditawarkan tahun itu, tetapi Charles de la Fosse dan Akademi Presiden Corneille Van Cleve diakui bakat Watteau dan mengundangnya untuk tunduk kepada Academie de Peinture. Watteau menjadi anggota penuh dari Perancis Royal Academy di 1717. Penerimaan potongan, atau penerimaan morceau de, berjudul l'Embarquement de Cythere (1717) yang sekarang berada di Louvre. Ada juga versi kedua lukisan ini dikenal sebagai Le Pelerinage sebuah Cythere (1718), yang di Berlin. Sebuah banyak kebingungan mengelilingi judul karya-karya ini. Hasil komplikasi, sebagian, dari kesalahpahaman dalam Akademi dalam penamaan materi pelajaran Watteau, dan, sebagian, dari terjemahan judul itu dari Prancis ke Inggris. Kebingungan juga berkisar pada masalah apakah lukisan itu adalah tentang keberangkatan dari Cythera atau kedatangan sebuah. Kebanyakan kritikus merasa itu adalah tentang keberangkatan meskipun terjemahan populer bahasa Inggris: The Embarkasi untuk Cythera. Cythera adalah pulau di mana Venus lahir. Ini adalah tempat khusus hanya bagi pecinta. Dan di tempat inilah kita menemukan pihak asrama kami. Kita dapat mencatat bahwa patung Venus telah dihiasi dengan bunga mawar dan karangan bunga. Pria elegan kami membantu para wanita untuk kaki mereka. Dan mungkin aspek yang paling menyentuh adalah pandangan lama melankolis dan sisi wanita menunjukkan apa yang dapat dianggap sebagai keengganan untuk meninggalkan sekitarnya yang indah dan tenang. Pengaruh teater Watteau adalah juga terlihat, karena komposisinya telah disamakan dengan minuet koreografer. Memang, bekerja Watteau yang menghasilkan suasana yang meninggalkan penampil dengan kerinduan pedih. Hari kasih sayang telah berakhir.
Embarkasi menunjukkan Rococo Perancis pada puncaknya. Para pria yang elegan, para wanita mengenakan sutra berkilauan mereka, dan mawar dengan pipi malaikat semua indikasi dari gaya gerakan ini. Itu dengan lukisan yang Watteau dikenal sebagai pelukis dari Galantes Fetes. Selain menjadi seorang colorist bersemangat, Watteau adalah draftsmen luar biasa. Ratusan gambarnya bertahan hidup yang menunjukkan konsentrasi pada bentuk manusia. Dia menarik dari kehidupan dan gambar-gambarnya adalah studi tangan, jari, dan anggota badan dieksekusi di media favoritnya, trois krayon. Seorang guru dari nuansa, kemampuan Watteau untuk mengekspresikan gerak tubuh tertentu, sikap dan pose adalah virtuoso dan gambar ini yang banyak dicari saat ini.

Salah satu karya yang paling terkenal diproduksi hanya dalam delapan hari. Buku itu diciptakan untuk teman Watteau dan Gersaint seni dealer. Le Enseigne de Gersaint (1720) adalah sebuah tour de force dari penggambaran mistar Watteau dan keterampilan sebagai seorang colorist. Lukisan ini diyakini menjadi tanda yang tergantung di luar toko Gersaint itu. Ini adalah contoh yang sangat baik lukisan genre untuk di sini kita melihat kehidupan sehari-hari warga kota dan kita belajar bahwa lukisan dijual Gersaint, cermin berbingkai, dan perlengkapan mandi untuk, klien halus aristokrat. Mungkin Watteau dipaksa untuk menjadi penulis sejarah kehidupan sehari-hari karena baginya itu adalah alami, dan karena itu benar dan jujur. Sikap baru merupakan perwakilan dari ideologi humanistik dari abad 18 tapi Watteau yang diwujudkan seni dan mendorong sikap yang lebih manusiawi terhadap lukisan genre dan orang biasa. Itu adalah waktu ketika rahmat dan keanggunan yang dijunjung tinggi sementara pada saat yang sama Revolusi dan industri tampaknya menyeka cita-cita yang sama.
Jean Antoine Watteau meninggal 18 Juli 1721. Dia adalah tiga puluh tujuh tahun dan pada puncak karirnya. Warisannya termasuk dampak langsung pada lukisan pemandangan dan lukisan genre. Beberapa seniman mengikuti jejak Watteau, termasuk Nicholas Lancret dan Pierre-Antoine Quillard.

 

Jacques-Louis David (1748-1825)
Jacques-Louis David (30 Agustus 1748 - 29 Desember 1825) adalah seorang pelukis Perancis berpengaruh dalam gaya neoklasik, dianggap sebagai pelukis terkemuka pada zaman tersebut. Pada 1780-an merek serebral lukisannya sejarah menandai perubahan dalam rasa jauh dari kesembronoan Rococo menuju penghematan klasik dan tingkat keparahan, perasaan yang meningkat berdentang dengan iklim moral tahun-tahun terakhir rezim lama.
David kemudian menjadi pendukung aktif Revolusi Perancis dan teman Maximilien Robespierre (1758-1794), dan secara efektif diktator seni di bawah Republik Perancis. Dipenjara setelah jatuh Robespierre dari kekuasaan, ia sejalan dirinya dengan satu lagi rezim politik pada rilis, bahwa Napoleon I. Ia saat ini bahwa ia mengembangkan gaya Empire nya, terkenal karena penggunaannya warna Venesia hangat. David memiliki sejumlah besar murid, membuatnya pengaruh terkuat dalam seni Perancis awal abad 19, lukisan Salon terutama akademik.

Para pelukis Perancis Jacques Louis David (1748-1825) adalah pemimpin gerakan neoklasik. Gayanya menetapkan standar artistik bagi banyak orang sezamannya dan menentukan arah berbagai abad ke-19 pelukis. David lahir ke dalam keluarga seorang pedagang kaya Paris pada 30 Agustus 1748. Ketika anak itu sekitar 10 tahun ayahnya, Louis-Maurice, meninggal setelah duel pistol. Daud dua paman, François buron (1731-1818) dan Jacques-François Desmaisons (c.1720-89) yang kedua arsitek dan kontraktor bangunan, merawat pendidikan anak itu. Pertama dia menjalani pendidikan di sebuah sekolah asrama dan College des Quatre Bangsa di Paris. Ketika dia memutuskan pada karir seorang seniman pamannya membantu dia untuk menjadi seorang mahasiswa Joseph-Marie Vien (1716-1809), seorang profesor di Akademi yang memiliki reputasi sebagai guru yang baik. Sebagai pelukis muda, David digunakan kerabat dekat sebagai modelnya, sehingga ia melukis kedua pamannya, bibinya Marie-Josephe, dan sepupunya Marie-Françoise, yang telah mendukung keinginannya untuk menjadi pelukis.

Pada 1766-1774 David belajar di Royal Academy of Lukisan dan Patung, di kelas Vein itu. Tujuan dari hampir setiap mahasiswa Akademi adalah memenangkan hadiah utama mahasiswa: Grand Prix, atau Prix de Roma. Daud mengambil bagian dalam kompetisi setiap tahun mulai dari 1770, sampai akhirnya tahun 1774 ia akhirnya menang dengan Antiokhus dan Stratonice. Setelah itu dia menghabiskan 5 tahun di Italia (1775-1780), dimana menarik dari model antik. Setelah kembali ke Paris pada tahun 1780, sejarah kuno dan mitologi menjadi subjek favoritnya. Pada 1781 David dibuat anggota Associate Academy untuk Belisarius karyanya, yang sangat dikagumi, dan dua tahun kemudian, pada 1783, ia menjadi Akademisi penuh untuk Andromache Mourning Hector. Pada 1784, dia memenuhi komisi Louis XVI - The Sumpah dari Horatii.

David pergi ke Roma pada 1775 di perusahaan Vien, yang baru saja dinobatkan sebagai direktur Akademi Perancis . Daud mempelajari monumen arsitektur kuno, relief marmer, dan patung-patung berdiri bebas. Selain itu, ia berusaha untuk pemahaman yang lebih jelas tentang prinsip-prinsip klasik yang mendasari gaya Renaisans dan Barok Raphael, Carracci, Domenichino, dan Guido Reni. Efek dari Romanisasi Daud pertama kali disaksikan di Belisarius nya Meminta Sedekah, dipamerkan di Paris pada 1781. Ketika ia kembali ke Paris pada 1780, ia adalah seorang artis sudah benar-benar dijiwai dengan ajaran klasisisme. Ia dibawa ke Akademi Perancis pada tahun 1783 dengan nya lukisan Andromache oleh Badan Hector.

Tahun berikutnya David kembali ke Roma untuk melukis Sumpah dari Horatii, sebuah karya yang segera diakui karya baik di Italia dan di Prancis pada menampilkan nya di Salon Paris dari 1785. Lukisan itu mencerminkan minat yang kuat dalam ketepatan arkeologi di penggambaran tokoh dan pengaturan. Beratnya diperhitungkan komposisi dan penekanannya pada kekerasan patung gambar yang tepat, yang melihat David sebagai lebih penting daripada warna, memberikan kontribusi terhadap nada moralistik kuat subjek: sumpah yang diberikan kepada Horatii dengan ayah mereka, yang menuntut mereka berkorban untuk kebaikan negara. Dalam karya tunggal, dengan implikasi yang kuat republik, mereka yang bercita-cita untuk melakukannya bisa menemukan panggilan untuk revolusi, sebuah revolusi yang sebenarnya hanya lima tahun jauh. Sumpah ini diikuti oleh kanvas kesusilaan lainnya seperti Kematian Socrates (1787) dan Brutus dan Lictors Membawa Home untuk Brutus yang Mayat Sons Nya (1789), baik memuji kebaikan klasik.

David antusias disambut Revolusi Perancis dan dari 1789 ia aktif berpartisipasi dalam kehidupan politik. Pada tahun 1791 ia terpilih sebagai wakil dari Konvensi Paris. Dia memilih kematian Louis XVI pada tahun 1793 dan didukung itu Robespierre dan rezim radikal kiri ', David adalah anggota Komite Keamanan Publik dan direktur artistik dari fêtes nasional yang besar didirikan pada adat klasik. Setelah Termidor 9 (27 Juli) 1794 kudeta, ketika Robespierre dan para pendukungnya terdekat digulingkan dan buru-buru dieksekusi oleh koalisi sementara kedua moderat kiri dan sayap kanan dalam Konvensi, David ditangkap dua kali dan lolos dengan hidupnya. Karir politiknya berakhir, tapi karir artistiknya dihidupkan kembali. Pekerjaan yang paling menonjol dari paruh kedua 1790-an adalah The Intervensi dari Women Sabine.

Pada 1797 ia bertemu dengan Napoleon dan diberikan potret tunggal duduk, di mana Daud tidak berhasil melukis banyak, tapi benar-benar terpikat oleh kepribadian Napoleon. Kemudian David menciptakan lukisan yang ditujukan untuk pahlawan barunya dan keluarganya: Bonaparte Crossing the St Bernard Pass (1800), Napoleon dalam Studi-Nya (1812), Konsekrasi kanvas megah dari Kaisar Napoleon I dan Coronation dari Josephine Ratu ( 1808), Distribusi Standar Eagle, dll

Pada tahun 1802 Napoleon mendirikan Legiun Kehormatan, dan David dibuat Knight (atau Chevalier) dari Legiun (yang pertama dari lima jajaran order) pada bulan Desember 1803. Selama tahun-tahun berikutnya ia akan mencapai peringkat ketiga dari tatanan, seorang Komandan (atau Komandan) dari Legion of Honor (1815).

Setelah jatuhnya Napoleon dan restorasi Bourbon David dibuang pada 1816 sebagai pembunuh raja, dan melarikan diri ke Brussels, di mana dia menghabiskan terakhir 10 tahun. Selama periode ini ia kembali ke mata pelajaran mitologi dan potret intim. David meninggal pada tanggal 29 Desember 1825 dan dimakamkan di Saint-Josse-ten-Noode pemakaman di Brussels.

Pengaruh Daud sangat tinggi. Beliau adalah guru yang luar biasa, dari studionya datang Gros, Gérard, Ingres, dan banyak lainnya. Seni guru mereka dan mereka sendiri mempengaruhi seni Eropa sampai Impresionisme.

 

Antonio Canova
Antonio Canova ( 1 November 1757 - 13 Oktober 1822) adalah seorang pematung Italia dari Republik Venesia yang menjadi terkenal karena patung marmer bahwa hati-hati diberikan daging telanjang. Lambang gaya neoklasik, karyanya ditandai kembalinya perbaikan klasik setelah ekses teater patung Baroque. Antonio Canova lahir di Possagno dekat Venice pada 1 November, 1757. Dia menunjukkan sebuah bakat untuk patung saat masih sangat muda dan oleh 1774 telah mendirikan studio sendiri di Venice, dimana ia menghasilkan potret patung dan patung lain untuk bangsawan Venesia. Pada tahun 1779 Canova meninggalkan Venesia bepergian dan belajar di Italia selatan; selama 2 tahun berikutnya ia bekerja di Roma dan mengunjungi Herculaneum, Pompeii, kota Romawi kuno yang telah digali di tengah abad ke-18. Dengan 1781, tahun ia mengambil tempat tinggal permanen di Roma, Canova ini benar-benar berkomitmen artistik dengan gaya neoklasik, yang menyapu semua seni.

Awal kehidupan di Possagno dan Venice
Antonio Canova lahir di Possagno, sebuah desa dari Republik Venesia terletak di tengah lekukan di perbukitan Asolo, di mana bentuk undulations terakhir dari Pegunungan Alpen Venesia, karena mereka mereda ke dataran Treviso. Pada tiga tahun Canova dirampas kedua orang tuanya, ayahnya meninggal dan ibunya menikah lagi. Kehilangan mereka, bagaimanapun, telah dikompensasi dengan perhatian tender dan mengurus kakek dan neneknya, yang terakhir dari mereka tinggal mengalami dalam dirinya mengubah perhatian pribadi paling baik dari cucunya, siapa, kapan ia berarti, memberinya rumah sakit jiwa di rumahnya di Roma.

Para Canoviano Museo terletak di Possagno dekat Asolo
Ayahnya dan kakeknya diikuti pendudukan pemotong batu atau statuaries kecil; dan dikatakan bahwa keluarga mereka telah selama beberapa umur dipasok Possagno dengan anggota dari panggilan itu. Begitu tangan Canova ini bisa memegang pensil, ia diinisiasi ke dalam prinsip-prinsip menggambar dengan Pasino kakeknya. Yang terakhir ini memiliki beberapa pengetahuan baik gambar dan arsitektur, dirancang dengan baik, dan menunjukkan rasa cukup besar dalam pelaksanaan karya hias. Dia sangat melekat pada seni, dan atas biaya yang masih muda ia tampak sebagai orang yang adalah untuk mengabadikan, tidak hanya nama keluarga, tetapi juga profesi keluarga.
Tahun-tahun awal Canova disahkan dalam penelitian. Bias dari pikirannya adalah patung, dan fasilitas yang diberikan untuk pemuasan ini predileksi di bengkel kakeknya yang penuh semangat ditingkatkan. Pada tahun kesembilan, ia mengeksekusi dua kuil marmer Carrara kecil, yang masih masih ada. Segera setelah periode ini ia tampaknya telah terus-menerus bekerja di bawah kakeknya. Di antara mereka yang dilindungi orang tua adalah keluarga ningrat Falier Venesia, dan dengan cara ini muda Canova pertama kali diperkenalkan kepada senator dari nama itu, yang kemudian menjadi pelindung yang paling bersemangat. Antara anak bungsu, Giuseppe Falier, dan artis persahabatan dimulai yang diakhiri hanya dengan kehidupan. Para senator Falier diinduksi untuk menerima dia di bawah perlindungan dekat. Telah diriwayatkan oleh seorang penulis Italia dan sejak diulang oleh penulis biografi beberapa yang Canova berhutang budi kepada keadaan sepele - pengecoran singa dalam mentega - untuk kepentingan hangat yang Falier ambil di kesejahteraannya. Anekdot itu mungkin atau mungkin tidak benar. Dengan pelindungnya Canova ditempatkan di bawah Bernardi, atau, karena ia umumnya disebut oleh filiasi, Giuseppe Torretto, seorang pematung dari keunggulan yang cukup besar, yang telah mengambil sebuah tempat tinggal sementara di Pagnano, salah satu borough Asolo di sekitar rumah sang senator. Ini terjadi sementara Canova berada di tahun ketiga belas, dan dengan Torretto lanjutnya sekitar dua tahun, sehingga dalam banyak kemajuan. Master ini kembali ke Venesia, di mana ia meninggal segera setelah itu, tetapi dalam persyaratan tinggi di mana ia berbicara tentang muridnya untuk Falier, yang terakhir diinduksi untuk membawa seniman muda ke Venesia, ke mana ia pergi sesuai, dan ditempatkan di bawah keponakan dari Torretto. Dengan instruktur ini lanjutnya sekitar satu tahun, belajar dengan ketekunan hati. Setelah berakhirnya keterlibatan ini dia mulai bekerja pada account sendiri, dan diterima dari pelindungnya perintah untuk kelompok, Orpheus dan Eurydice. Angka pertama, yang mewakili Eurydice di api dan asap, dalam tindakan meninggalkan Hades, telah selesai menjelang penutupan tahun keenam belas. Hal ini sangat dihargai oleh pelindung dan teman-temannya, dan artis ini dianggap memenuhi syarat untuk muncul sebelum persidangan umum.

Psyche Revived oleh Ciuman Cupid, di Louvre, Paris
Kebaikan hati beberapa biarawan mengabulkan lokakarya pertamanya, yang merupakan sel kosong biara. Berikut selama hampir empat tahun ia bekerja dengan ketekunan terbesar dan industri. Dia juga biasa dalam kehadirannya di akademi, di mana ia membawa kabur beberapa hadiah. Tapi dia jauh lebih mengandalkan pada studi dan peniruan alam. Sebagian besar waktunya juga ditujukan untuk anatomi, ilmu yang dianggap olehnya sebagai rahasia dari seni. Dia juga sering dikunjungi tempat-tempat hiburan publik, di mana ia dengan hati-hati mempelajari ekspresi dan sikap para pemain. Dia membentuk sebuah resolusi, yang dengan setia berpegang selama beberapa tahun, tidak pernah menutup mata di malam hari tanpa menghasilkan beberapa desain. Apa pun yang mungkin untuk meneruskan kemajuan di patung ia belajar dengan semangat. Pada kegiatan arkeologi ia diberikan perhatian yang cukup besar. Dengan sejarah kuno dan modern dia merubah sendiri kenal baik dan dia juga mulai mendapatkan beberapa bahasa benua.
Tiga tahun telah berlalu sekarang tanpa produksi pun berasal dari pahat itu. Dia mulai, namun, untuk menyelesaikan kelompok untuk pelindungnya, dan Orpheus yang diikuti, evinced kemajuan besar yang telah dilakukannya. Pekerjaan itu universal bertepuk tangan, dan meletakkan dasar ketenarannya. Beberapa kelompok berhasil kinerja ini, di antaranya adalah dari Daedalus dan Icarus, karya paling terkenal dari novisiat-nya. Para terseness gaya dan imitasi yang setia alam yang ditandai mereka disebut sebagainya kekaguman terpanas. Manfaat dan reputasinya yang sekarang diakui secara umum, pikirannya mulai berbalik dari pantai Adriatik ke tepi sungai Tiber, yang ia berangkat pada saat dimulainya dua puluh empat tahun itu.

Selama paruh pertama abad ke-18 seni telah didominasi oleh gaya, rococo ringan, menyenangkan, dan aristokrat. Pada 1760s, bagaimanapun, rococo diserang oleh para intelektual dan kritikus sebagai sepele dan remeh, dan pada saat yang sama beberapa buku penting diterbitkan mengenai seni Yunani dan Romawi kuno dan arsitektur. Rasa modis dan artistik mulai bergeser perlahan-lahan dari rococo untuk seni kuno, dan ketika Canova mencapai kematangan sebagai pematung, neoclassicism telah mencapai kemenangan hampir lengkap dalam lukisan, patung, arsitektur, dan seni dekoratif. Gairah Canova untuk seni kuno dan studinya itu, dikombinasikan dengan bakat tertentu dan rasa periode, membawanya ke puncak kesuksesan sebagai juara neoclassicism di patung.

Antara 1783 dan kematiannya hampir 40 tahun kemudian, Canova menerima komisi penting dan luas dari para paus, Napoleon, keluarga Hapsburg, dan anggota dari aristokrasi Inggris. Ia melakukan perjalanan secara luas dan bekerja di Roma, Paris, dan Wina. Patung-Nya menjadi sangat populer sehingga ia dimanfaatkan banyak asisten dan teknik mekanik berbagai dalam rangka memenuhi tuntutan yang dibuat kepadanya. Pada 1805, saat reputasinya sebagai pematung paling terkemuka di Eropa adalah mapan, ia diangkat oleh Paus Pius VII sebagai inspektur jenderal seni rupa dan barang antik untuk Amerika Paus. Lima tahun kemudian ia menjadi direktur Akademi St Lukas di Roma, akademi seni resmi dari Negara-negara Kepausan.

Meskipun perang dan pergolakan politik, Canova mampu mempertahankan praktek profesional berkembang setelah tahun 1800 karena ia menolak untuk mengizinkan politik untuk menentukan pelanggan nya. Selama hegemoni Napoleon 1800-1814, ia sering bekerja untuk anggota keluarga Bonaparte, melaksanakan patung untuk Napoleon sendiri (Napoleon sebagai Mars yang Peacemaker, 1803-1806), untuk Bonaparte ibu Letizia (Madame Mère sebagai Agrippina, 1804-1807 ), dan untuk kaisar adik Pauline (Pauline Borghese sebagai Venus Victrix, 1804-1808), antara lain. Sebagai seorang Katolik konservatif dan Venesia patriot (Perancis telah menghancurkan kemerdekaan politik Venice), Canova pada dasarnya francophobic. Pertanyaan tentang sinisme dalam bekerja untuk Bonapartes masih menjadi bahan perdebatan ilmiah

Gaya matang Canova ini berasal khusus dan langsung dari patung Yunani dan Romawi kuno, dan materi subjek yang paling sering diambil dari mitologi klasik. Perseus (1801) mencerminkan rasa klasik untuk idealisasi, dinyatakan dalam harmoni dengan hati-hati dikendalikan proporsi, garis yang jelas, pemodelan halus, dan permukaan licin. Dua karya terkenal dan khas yang ia ciptakan untuk keluarga Bonaparte adalah patung marmer monumental Napoleon (1802-1810) dan saudara perempuan Napoleon, Pauline Borghese (1808). Dalam patung Napoleon, yang hampir 12 kaki tinggi, Canova mempresentasikan Bonaparte menang sebagai kaisar Romawi telanjang, wajah-nya agar sesuai dengan cita-cita klasik. Princess Borghese, seukuran dan sebagian terbungkus, ditampilkan sebagai Venus berbaring di sofa. Kedua karya yang terkenal untuk ketergantungan pada sumber Helenistik, kesempurnaan ideal dari bentuk, fluiditas garis, pemodelan anggun, indah dan detail halus.

Canova meninggal di Venice 13 Oktober, 1822. Dia menciptakan ideal klasik keindahan manusia yang diberikan pengaruh yang kuat pada patung akademis selama sebagian besar abad ke-19. Akhir abad, namun, pekerjaan Canova ini mendapat kecaman keras sebagai dingin, tak bernyawa, tak bersemangat, dan imitasi belaka seni kuno. Ini penilaian kritis yang merugikan dari patung Canova ini berlaku sampai abad ke-20, tetapi studi terbaru dan lebih objektif dari gerakan neoklasik seluruh cenderung untuk mengembalikan reputasi Canova ini beberapa kilau yang dimiliki selama hidupnya.

 


Giovanni Battista Tiepolo
Giambattista Tiepolo lahir pada 5 Maret 1696 di Venesia, yang terakhir dari enam bersaudara dari laut kapten, Domenico Tiepolo dan istrinya, Orsetta. Sedangkan nama keluarga Tiepolo milik keluarga ningrat, ayah Giambattista itu tidak mengklaim keturunan mulia. Para seniman masa depan dibaptis di paroki gereja-Nya (S. Pietro di Castello) sebagai Giovanni Battista, untuk menghormati ayah angkatnya, seorang bangsawan Venesia bernama Giovanni Battista Doria. Ayahnya Domenico meninggal setahun setelah kelahirannya, meninggalkan Orsetta dalam keadaan keuangan yang sulit., tetapi keluarga yang tersisa dalam keadaan nyaman. Sebagai seorang pemuda, ia magang pada Gregorio Lazzarini, seorang pelukis biasa-biasa saja tapi modis dikenal rumit sandiwara, komposisi agak muluk.

Tiepolo segera berkembang gaya yang lebih berjiwa sendiri. Pada saat ia berusia 20, ia menunjukkan karyanya secara independen, dan memenangkan pujian, pada pameran yang diadakan di gereja S. Rocco. Tahun berikutnya ia menjadi anggota Fraglia, atau serikat pelukis. Pada 1719 ia menikah Cecilia Guardi, yang kakaknya Francesco adalah untuk menjadi terkenal sebagai pelukis dari adegan Venesia. Mereka memiliki sembilan anak, di antaranya Giovanni Domenico dan Lorenzo Baldassare, yang juga pelukis. Tiepolo 1720-an dilakukan banyak skala besar komisi di daratan Italia utara. Dari jumlah tersebut yang paling penting adalah siklus adegan Perjanjian Lama dilakukan untuk patriark dari Aquileia, Daniele Dolfin, di Istana Uskup Agung yang baru di Udine. Berikut Tiepolo meninggalkan warna gelap yang ditandai gaya awalnya dan berbalik bukan untuk, warna-warna cerah berkilau yang membuatnya terkenal.

Giambattista awalnya merupakan murid dari Gregorio Lazzarini, tetapi pengaruh dari sezaman tua seperti Sebastiano Ricci dan Giovanni Battista Piazzetta lebih kuat dalam karyanya. Pada 19 tahun, Tiepolo selesai komisi yang pertama, Kurban Ishak (sekarang di Accademia). Dia meninggalkan Lazzarini studio di 1717, dan telah diterima ke dalam serikat Fraglia pelukis.

Pada 1719, Tiepolo menikah Maria Cecilia Guardi, adik dua pelukis kontemporer Venesia Francesco dan Giovanni Antonio Guardi. Bersama-sama, Tiepolo dan istrinya memiliki sembilan anak. Empat putri dan tiga putra selamat kecil. Dua putra, Domenico dan Lorenzo, dicat dengan dia sebagai asisten dan mencapai beberapa pengakuan independen. Putra ketiganya menjadi seorang imam.

Seorang ningrat dari kota Friulan dari Udine, Dionisio Delfino, ditugaskan dari Tiepolo muda dekorasi lukisan dinding kapel dan istana (1726-1728). Itu adalah prestasi yang hampir revolusioner menggunakan tonalities pucat novel dan penanganan lapang. Memasukkan Sebastiano Ricci Maniera paolesca, Tiepolo sekaligus menjauhkan diri dari chiaroscuro khas dari Baroque, tetapi mempertahankan kemegahan teater Rubens. Dia dianggap oleh banyak orang sebagai pelukis prototipe dari gerakan Rococo dekoratif Italia dari abad 18. Karya pertama Tiepolo di Venice adalah siklus yang sangat besar kanvas dilukis untuk menghias ruang resepsi besar dari Ca 'Dolfin, Venice (ca. 1726-1729), menggambarkan pertempuran kuno dan kemenangan.

Pembuat Mitos
Dari 1730s pada Tiepolo mengabdikan dirinya terutama untuk tema sekuler: mitologi dan alegori yang dimuliakan Venesia dan keluarga bangsawan tersebut. Yang besar membutuhkan lukisan-lukisan ini terpenuhi berakar dalam sejarah Venesia. Pada hari Tiepolo di Venice hidup di bawah bayangan. Its 1, 000-tahun-panjang sejarah sebagai sebuah negara merdeka segera berakhir. Selama berabad-abad Venice tetap aman dan sejahtera di balik dinding kayu dan air. Kapal yang dilindungi dan dibawa kembali kekayaan dari seberang Laut Adriatik. Gereja-gereja yang berkilauan dengan emas Timur. Setelah Venice telah menjadi kekuatan besar dari Mediterania, Turki sebelum yang telah melarikan diri dan bahkan Byzantium jauh gemetar. Tetapi pada abad 18, ketika masih ada emas banyak, ada hampir tidak ada daya. Tidak lagi dalam arus utama politik internasional, Venice ada bukan sebagai terpencil modis, singgah untuk mengunjungi Inggris pada tur besar.

Tentu mereka yang dicintai Venice berusaha untuk melarikan diri ke impian masa lalu yang mulia. Tentu mereka berusaha untuk memperpanjang mimpi itu juga mencakup masa kini. Juru bicara mereka adalah Tiepolo. Dialah yang mengusir bayangan. Di tempat mereka ia menciptakan dunia dibanjiri sinar matahari. Di dalamnya mengapung para dewa dan dewi dari mitologi, alegori kelimpahan dan kemenangan, dan angka-angka dari ketenaran yang terompet kemenangan Venesia ke empat penjuru bumi. Seperti penyair epik besar, di antaranya ia memang seharusnya harus diberi nomor, Tiepolo adalah pembuat mitos.

Dalam mitos dewa-dewa dan dewi dari Olympus mengawasi kaum bangsawan dan menghadiri kemajuan mereka melalui langit. Dari hal lapang seperti Tiepolo memotong banyak lukisan dinding itu terbaik: perayaan pernikahan yang bergabung dengan keluarga aristokrat Savorgnan dengan Rezzonicos kaya baru tapi spektakuler, Ca 'Rezzonico, Venice (1758), sedangkan Apotheosis Francesco Barbaro, atau ramah ke surga dari keluarga Pisani, dipuji oleh semua kebajikan dan oleh tanah, di Villa Pisani, Stra (1761-1762), dan, yang paling terkenal dari semua, lukisan dinding ia dieksekusi di Aula Imperial dan tangga besar dari Residenz, Würzburg (1751-1753), dibangun oleh Balthasar Neumann.

Tiepolo di Spanyol
Sekarang ketenaran Tiepolo adalah internasional. Pada 1762 ia menerima panggilan dari Raja Charles III untuk melukis lukisan dinding untuk Istana Kerajaan baru di Madrid. Pada tahun-tahun 1762-1764 ia dihuni langit-langit Ruang Takhta yang luas dengan legiun tokoh membayar penghormatan kepada Spanyol: para malaikat gembira yang melahirkan mahkota Spanyol; kebajikan Kristen Spanyol dilindungi dan didorong, dan sifat buruk dan ajaran sesat itu dilemparkan ke neraka. Sepanjang sisi adalah warisan dari Columbus: persenjataan lengkap kaya dari tanah seberang lautan dimana Spanyol masih dipegang kekuasaan. Bahkan ada kapal Spanyol mengambang udara dengan muatannya kekayaan dari Dunia Baru.

Tiepolo tinggal di Spanyol bahkan setelah 1766, ketika ia menyelesaikan lukisan dinding lainnya untuk Royal Palace. Tapi suasana di sekitarnya berubah. Menyusul penemuan Herculaneum, Pompeii, menangis itu sekarang untuk neoclassicism. Eksponen utamanya di Spanyol, pelukis Jerman Anton Raphael Mengs, memenangkan mendukung peningkatan dengan pengadilan, dan penasihat Raja, Padre Joaquim de Electa, terutama mengagumi lukisan Mengs dan menemukan pekerjaan Tiepolo yang sembrono dan bukan kepalang ketinggalan zaman. Pada tahun 1767, bukan tanpa kesulitan, Tiepolo dijamin satu komisi lebih utama: melukis tujuh altarpieces besar untuk gereja yang baru selesai S. Pascal di Aranjuez. Tak lama setelah mereka selesai, Electa telah mereka diturunkan dan diganti dengan kanvas oleh Mengs dan lainnya. Ketika pada tanggal 27 Maret 1770, pada usia 74, Tiepolo meninggal, ia sudah hidup lebih lama era dia telah melakukan begitu banyak untuk membuat.

Pengembangan Gaya-Nya
Lukisan yang paling awal yang masih hidup bahwa kita dapat atribut untuk Tiepolo dengan pasti, Kurban Abraham (1715/1716), menunjukkan dia melihat kembali ke awal, gaya agak konservatif, di atas semua untuk Giovanni Battista Piazzetta dan melalui dia untuk Caravaggio. Tokoh kuat model alat tenun keluar dari bayangan seolah-olah diambil oleh lampu sorot. Wajah Abraham dipenuhi dengan horor, Isaac dengan pengunduran diri; di depan, condong ke depan di tangan Abraham, adalah pisau bersinar dari pisau kurban.

Tiepolo segera ditinggalkan ini drama gelap. Di tempat mereka ia menciptakan negeri dongeng, berkilau diterangi matahari yang kita lihat untuk pertama kalinya dalam lukisan dinding nya untuk Istana Uskup Agung di Udine. Ini gaya baru, yang tumbuh dari barok tetapi lembut, ringan, dan lebih anggun, bisa disebut barocchetto, atau sedikit barok. Karyanya adalah siklus fresco di Aula Imperial dari Residenz di Würzburg (1751-1752). Lukisan-lukisan ini merayakan kehidupan Frederick Barbarossa, yang menginvestasikan uskup pertama Würzburg pada 1168. Tapi Tiepolo menempatkan layar di abad ke-16 Venesia, yang baginya disediakan pengaturan untuk semua sejarah dunia.

Dalam Pernikahan dari Kaisar Barbarossa dan istrinya yang mengenakan besar ruff kerah Renaissance dan diatur terhadap lengkungan Palladian rumit menghiasi. Warna-warna yang terang dan hati. Jubah biru pengantin wanita, misalnya, ditembus dengan nada off dari mawar dan ditembak melalui dengan highlight biru buram yang membuat permukaan shimmer keseluruhan. Kostum dari istana di latar belakang memainkan melodi tenang pastel diredam.

Pada langit-langit yang Apollo Membawa Barbarossa Mempelai-Nya. Kita melihat acara tajam dari bawah, seolah-olah langit-langit telah terbuka ke langit. Jauh di kaki kuda putih biru langit Apollo udara kosong. Dewa Yunani dan pengantin muncul radiasi dari pelangi. Sekitar kibaran spanduk kaisar muda yang cerdas, baju tentara berkilau, dan makhluk surgawi menumpahkan lebih riang tepi bingkai usang.

Tiepolo dicat banyak dari awan yang terbawa fantasi, yang terakhir, Triumph dari Spanyol (1764), untuk Istana Kerajaan di Madrid. Tapi saat itu dia sudah tua dan ia lelah. Semakin anaknya Giovanni Domenico memainkan peran dalam pelaksanaan pekerjaan Tiepolo sendiri telah dimulai. Tak pelak kecemerlangan berkurang. Tapi Tiepolo nyata tetap dalam sketsa minyak ia dieksekusi sebagai model untuk karya-karya yang lebih besar. Salah satunya, St Francis, sebuah penelitian dilakukan tentang 1767 untuk salah satu altarpieces nya ditolak pada Aranjuez, berfungsi untuk mewakili fase terakhir. Di sini, seperti dalam karya-karya lain dilakukan pada akhir hidupnya, Tiepolo membuat pernyataan sederhana namun mendalam yang bergerak kepercayaan mistik. Santo menerima stigmata hampir sebagai kekuatan fisik, merosot lemah terhadap batu dan tergeletak tanpa alas kaki di tanah tandus. Seorang malaikat berdiri di samping Santo Fransiskus, tetapi tidak ada malaikat di atas, tidak ada visi kemuliaan. Retorika itu pergi, dan di tempat keajaiban negeri dongeng adalah, tenang tegas, sihir lebih kesepian iman keagamaan.

 

Francisco José de Goya Lucientes
Francisco José de Goya Lucientes (30 Maret 1746 – 16 April 1828) adalah pelukis dan seniman grafis dari Spanyol.
Goya adalah pelukis istana di Spanyol, juga seorang penulis sejarah. Ia dianggap sebagai seniman old master terakhir dan juga termasuk seniman modern pertama. Unsur-unsur dalam karya seninya yang subversif dan subjektif, juga keahliannya dalam teknik melukis, menjadikan karyanya sebagai acuan bagi seniman generasi selanjutnya seperti Manet dan Picasso.
Kebanyakan karya-karya Goya ditampilkan di Museo del Prado di Madrid.

Goya lahir di Fuendetodos, Aragón, Spanyol, tahun 1746 kepada José Benito de Goya y Franque dan Gracia de Lucientes y Salvador. Ia menghabiskan masa kecilnya di Fuendetodos, di mana keluarganya tinggal di sebuah rumah yang memuat lambang keluarga ibunya. Ayahnya mencari nafkah sebagai tukang menyepuh emas. Tentang 1749, keluarga membeli sebuah rumah di kota Zaragoza dan beberapa tahun kemudian pindah ke dalamnya. Goya mungkin bersekolah di Pias Escuelas. Dia membentuk sebuah persahabatan dekat dengan Martin Zapater saat ini, dan korespondensi mereka dari 1770 ke 1790-an adalah sumber berharga untuk memahami awal karir Goya di istana Madrid. Pada usia 14, Goya belajar di bawah pelukis José Luzán. Ia pindah ke Madrid dimana ia belajar dengan Anton Raphael Mengs, seorang pelukis yang populer dengan royalti Spanyol. Ia bentrok dengan tuannya, dan ujian itu tidak memuaskan. Goya diserahkan entri untuk Royal Academy of Fine Art pada tahun 1763 dan 1766, tapi ditolak masuk.
Dia kemudian pindah ke Roma, di mana pada tahun 1771 ia memenangkan hadiah kedua dalam kompetisi lukisan yang diselenggarakan oleh Kota Parma. Belakangan tahun itu, ia kembali ke Zaragoza dan dicat bagian kubah Basilika Pilar (termasuk Adorasi Nama Tuhan), sebuah siklus dari lukisan dinding di gereja monastik dari Charterhouse dari Aula Dei, dan lukisan dinding dari Sobradiel Palace. Ia belajar dengan Francisco Bayeu y Subías dan lukisannya mulai menunjukkan tanda-tanda tonalities halus yang ia menjadi terkenal.

La mite, 1777-1778, salah satu kartun permadani Goya
Goya menikah Bayeu adik Josefa (dia menjulukinya "Pepa") pada tanggal 25 Juli 1773. Ini pernikahan, dan keanggotaan Francisco Bayeu dari Royal Academy of Fine Art (dari tahun 1765) membantu Goya untuk mendapatkan pekerjaan sebagai pelukis dari desain yang akan ditenun oleh Pabrik Tapestry Royal. Di sana, selama lima tahun, ia merancang sejumlah 42 pola, banyak yang digunakan untuk menghias (dan melindungi) dinding batu telanjang dari El Escorial dan Palacio Real del Pardo, tempat tinggal yang baru dibangun dari raja Spanyol dekat Madrid . Hal ini membawa bakat artistiknya menjadi perhatian penguasa Spanyol yang kemudian memberinya akses ke istana. Dia juga melukis kanvas untuk altar Gereja San Fransisco El Grande di Madrid, yang menyebabkan pengangkatannya sebagai anggota Royal Academy of Fine Art.

Pada 1783, Count dari Floridablanca, favorit dari raja Carlos III, menugaskan Goya melukis potretnya. Dia juga berteman dengan Putra Mahkota Don Luis, dan menghabiskan dua musim panas dengan dia, lukisan potret dari kedua Infante dan keluarganya. Selama 1780-an, lingkaran dari pelanggan tumbuh untuk menyertakan Duke dan Duchess of Osuna, yang ia dicat, Raja dan tokoh masyarakat lainnya kerajaan. Pada tahun 1786, Goya diberi posisi bergaji sebagai pelukis Charles III. Setelah kematian Charles III pada 1788 dan revolusi di Perancis pada tahun 1789, selama pemerintahan dari Charles IV, Goya mencapai puncak popularitas dengan royalti.

Charles IV dari Spanyol dan Keluarga-Nya, 1800. Théophile Gautier menggambarkan tokoh sebagai tampak seperti "sudut tukang roti dan istrinya setelah mereka menang lotere".
Pada tahun 1789 ia diangkat menjadi pelukis pengadilan untuk Charles IV dan tahun 1799 ia ditunjuk Pengadilan Pelukis Pertama dengan gaji 50.000 reales dan 500 dukat untuk pelatih. Ia melukis Raja dan Ratu, foto keluarga kerajaan, potret Pangeran Perdamaian dan bangsawan lainnya. Potret karyanya yang didasari keengganan mereka untuk menyanjung, dan dalam kasus Charles IV dari Spanyol dan Keluarga-Nya, kurangnya diplomasi visual yang luar biasa penafsir modern telah melihat ini potret sebagai sindiran;. Diperkirakan untuk mengungkapkan korupsi menyajikan bawah Charles IV. Di bawah pemerintahannya istrinya Louisa dianggap memiliki kekuatan yang sesungguhnya, itulah sebabnya dia ditempatkan di pusat potret kelompok. Dari belakang kiri lukisan itu Anda dapat melihat artis itu sendiri memandang penampil, dan lukisan belakang keluarga menggambarkan Lot dan putri-putrinya, sehingga sekali lagi menggemakan pesan mendasari korupsi dan pembusukan.

Goya menerima pesanan dari banyak bangsawan Spanyol. Di antara mereka dari siapa ia diperoleh potret komisi adalah Pedro Tellez-Giron, 9 Adipati Osuna dan istrinya María Josefa Pimentel, Countess Duchess-12 Benavente, María del Pilar de Silva, Duchess 13 Alba (universal dikenal hanya sebagai Duchess " dari Alba "), dan suaminya José María Álvarez de Toledo, Duke 15 Medina Sidonia, dan Ana María de Pontejos y Sandoval, Marchioness dari Pontejos.
Pada beberapa waktu antara 1792-an dan awal 1793, penyakit yang serius, yang pasti sifat tidak diketahui, meninggalkan Goya tuli, dan dia menjadi menarik diri dan introspektif. Selama penyembuhan, ia melakukan serangkaian lukisan eksperimental. Eksperimental art yang akan mencakup lukisan, gambar serta serangkaian pahit etsa aquatinted, yang diterbitkan pada tahun 1799 di bawah judul Caprichos - dilakukan secara paralel untuk lebih banyak komisi nya resmi potret dan lukisan keagamaan. Pada 1798, ia melukis adegan bercahaya dan lapang untuk pendentives dan cupula dari Ermita Estate (Kapel) dari San Antonio de la Florida di Madrid. Banyak tempat mukjizat Santo Antonius Padua di tengah-tengah kontemporer Madrid.

Dalam karya terakhir itu, Francisco de Goya melukis adegan pergolakan politik dan sosial massal akibat perang. Ketika ia menjadi tuli setelah infeksi, ia mulai melihat dunia dalam cahaya, yang berbeda mungkin satir. Lukisannya menjadi kurang nyata dan berbatasan awal dia bekerja di kartun. Melalui karya-karyanya, ia mampu mengomentari gereja, pemerintah, dan keadaan sosial pada zamannya. Ketika Napoleon akhirnya mengambil alih Spanyol dan membuat penguasa saudaranya, Goya tetap pelukis pengadilan, tapi lukisannya mengambil sebuah keseraman muram. Terancam karena karyanya, ia mengambil cuti ke Prancis untuk alasan "kesehatan" dan pergi ke Bordeaux, di mana ia tetap di pengasingan. Goya dikenang sebagai salah satu pelukis dunia yang paling revolusioner yang pernah dikenal.

 

Sir Joshua Reynolds RA FRS FRS
Sir Joshua Reynolds RA FRS FRSA (16 Juli 1723 - 23 Februari 1792) adalah seorang pelukis abad ke-18 berpengaruh Inggris, yang mengkhususkan diri dalam potret dan mempromosikan "Gaya Grand" dalam lukisan yang tergantung pada idealisasi dari sempurna. Dia adalah salah satu pendiri dan Presiden pertama dari Royal Academy. Raja George III dihargai manfaat dan gelar dia di 1769.

Reynolds lahir di Plympton, Devon, pada tanggal 16 Juli 1723. Sebagai salah satu dari sepuluh (mungkin sebelas) anak-anak dan anak dari sekolah desa-master, Reynolds terbatas pada pendidikan formal yang diberikan oleh ayahnya. Ia menunjukkan rasa ingin tahu alami dan, sebagai anak laki-laki, datang di bawah pengaruh Zakaria Mudge, yang Platonistic filosofi tinggal bersamanya sepanjang hidupnya. Reynolds dibuat ekstrak ke dalam buku biasa-Nya dari Theophrastus, Plutarch, Seneca, Marcus Antonius, Ovid, William Shakespeare, John Milton, Alexander Pope, John Dryden, Joseph Addison, Richard Steele, Aphra Behn dan bagian-bagian pada teori seni oleh Leonardo da Vinci, Charles Alphonse Du Fresnoy, dan André Félibien. Pekerjaan yang datang ke memiliki dampak yang paling berpengaruh pada Reynolds adalah Jonathan Richardson adalah Sebuah Esai tentang Teori Lukisan (1715). Reynolds 'copy beranotasi hilang selama hampir dua ratus tahun ketika muncul di toko buku Cambridge, ditulis dengan tanda tangan' J. Reynolds Pictor '.

Karir Reynolds
Menampilkan minat awal dalam seni, Reynolds magang tahun 1740 dengan potret pelukis modis Thomas Hudson, dengan siapa ia tetap sampai 1743. Pada 1749, Reynolds menjadi teman dengan Augustus Keppel, seorang perwira angkatan laut, dan mereka berdua berlayar di Centurion ke Mediterania. Sementara di kapal, Reynolds menulis kemudian, "saya penggunaan kabinnya dan penelitiannya terhadap buku, seolah-olah mereka telah saya sendiri". Dari 1749-1752, ia menghabiskan lebih dari dua tahun di Italia, dimana ia belajar Old Masters dan memperoleh rasa untuk "Gaya Grand". Sayangnya, sementara di Roma, Reynolds menderita pilek parah yang membuatnya setengah tuli, dan, sebagai hasilnya, ia mulai membawa terompet telinga kecil yang ia sering digambarkan. Dari 1753 sampai akhir hidupnya, ia tinggal di London, bakatnya mendapatkan pengakuan segera setelah tiba di Prancis.

Reynolds bekerja berjam-jam di studio, jarang mengambil liburan. Dia baik dan suka berteman tajam intelektual, dengan sejumlah besar teman-teman dari London intelektual, nomor di antara mereka adalah Dr Samuel Johnson, Oliver Goldsmith, Edmund Burke, Giuseppe Baretti, Henry Thrale, David Garrick dan sesama artis Angelica Kauffmann. Johnson mengatakan pada 1778: "... Reynolds terlalu banyak di bawah Fox dan Burke saat ini Dia berada di bawah bintang Fox dan konstelasi Irlandia Dia selalu di bawah planet beberapa"
Karena popularitasnya sebagai pelukis potret, Reynolds menikmati interaksi konstan dengan orang-orang kaya dan terkenal dan wanita hari, dan dialah yang pertama kali dibawa bersama tokoh-tokoh terkenal dari "The" Club. Dengan 1761 Reynolds bisa perintah biaya sebesar 80 Guineas untuk potret full-length (Mr Fane); pada tahun 1764 dia dibayar 100 Guineas untuk potret Tuhan Burghersh .
Dengan saingannya Thomas Gainsborough, Reynolds adalah pelukis Inggris dominan 'Zaman Johnson. Dikatakan bahwa dalam hidupnya yang panjang ia melukis sebanyak tiga ribu potret. Meskipun tidak terutama terkenal karena pemandangan nya, Reynolds melakukan cat di genre ini. Dia memiliki pandang yang sangat baik dari rumahnya di Richmond Hill, dan dicat pandangan di sekitar 1780

 

Thomas Gainsborough
Thomas Gainsborough (dibaptis 14 Mei 1727 - 2 Agustus 1788) adalah potret Inggris dan pelukis lanskap. Ia lahir dari putra bungsu John Gainsborough, seorang penenun di Suffolk, dan, tahun 1740, meninggalkan rumah untuk belajar seni di London dengan Hubert Gravelot, Francis Hayman, dan William Hogarth. Pada 1746, ia menikah Margaret Burr, dan pasangan menjadi orang tua dari dua anak perempuan. Dia pindah ke Bath pada 1759 di mana masyarakat modis dilindungi, dan ia mulai menunjukkan di London. Tahun 1769, ia menjadi anggota pendiri Royal Academy, tapi hubungannya dengan organisasi ini berduri dan kadang dia menarik karyanya dari pameran. Gainsborough pindah ke London pada 1774, dan melukis potret Raja dan Ratu, tapi Raja berkewajiban untuk nama sebagai saingan kerajaan pelukis Gainsborough Joshua Reynolds. Dalam beberapa tahun terakhir, Gainsborough melukis pemandangan relatif sederhana dan dikreditkan (dengan Richard Wilson) sebagai pencetus sekolah abad ke-18 lanskap Inggris. Gainsborough meninggal karena kanker pada 1788 dan dimakamkan di Gereja St Anne, Kew, Surrey. Ia melukis gambar dengan cepat dan kemudian hari ditandai dengan palet terang dan stroke mudah. Ia lebih suka pemandangan ke potret. Cecil Kellaway digambarkan Gainsborough di Kitty Film 1945.

Thomas Gainsborough lahir di Sudbury, Suffolk, putra bungsu John Gainsborough, seorang penenun dan pembuat barang wol, dan adik Pendeta Humphry Burroughs Pada usia tiga belas tahun. Ia terkesan ayahnya dengan kemampuan penciling sehingga bahwa ia membiarkan dia pergi ke London untuk belajar seni di 1740. Di London ia pertama kali dilatih di bawah pemahat Hubert Gravelot tetapi akhirnya menjadi terkait dengan William Hogarth dan sekolahnya. Dia dibantu Francis Hayman dalam dekorasi kotak makan malam di Vauxhall Gardens, dan kontribusi terhadap dekorasi yang sekarang Thomas Coram Yayasan Anak.

Pada 1746, Gainsborough menikah Margaret Burr, seorang anak tidak sah dari Duke of Beaufort, yang menetap anuitas 200 £ pada pasangan. Karya seniman, maka terutama terdiri dari lukisan lanskap, tidak menjual dengan baik. Ia kembali ke Sudbury di 1748-1749 dan berkonsentrasi pada lukisan potret.
Pada 1752, ia dan keluarganya, sekarang termasuk dua anak perempuan, pindah ke Ipswich. Komisi untuk potret pribadi meningkat, tetapi klien-kliennya termasuk pedagang terutama lokal dan pengawal. Dia harus meminjam terhadap anuitas istrinya.

Pada 1759, Gainsborough dan keluarganya pindah ke Bath, tinggal di nomor 17 Circus Di sana, ia belajar potret oleh van Dyck dan akhirnya mampu menarik pelanggan modis.. Pada 1761, ia mulai mengirim pekerjaan ke Masyarakat pameran Seni di London (sekarang Royal Society of Arts, dimana dia adalah salah satu anggota paling awal), dan dari 1769, ia mengajukan karya untuk pameran tahunan Royal Academy tersebut. Dia memilih potret klien terkenal atau terkenal untuk menarik perhatian. Ini pameran membantunya memperoleh reputasi nasional, dan dia diundang untuk menjadi salah satu anggota pendiri Royal Academy di 1769. Hubungannya dengan akademi, bagaimanapun, adalah tidak mudah dan ia berhenti memamerkan lukisannya ada di 1773.

Pada 1774, Gainsborough dan keluarganya pindah ke London untuk tinggal di Schomberg House, Pall Mall. Pada 1777, ia kembali mulai memamerkan lukisannya di Royal Academy, termasuk potret selebriti kontemporer, seperti Duke dan Duchess of Cumberland. Pameran karyanya terus untuk enam tahun ke depan.

Mr dan Mrs William Hallett (1785).
Pada 1780, ia melukis potret Raja George III dan ratunya dan setelah itu menerima komisi kerajaan banyak. Hal ini memberinya beberapa pengaruh dengan Akademi dan memungkinkan dia untuk mendikte cara di mana ia ingin karyanya untuk dipamerkan. Namun, pada tahun 1783, ia melepas lukisannya dari pameran yang akan datang dan ditransfer ke Schomberg House.
Pada 1784, pelukis kerajaan Allan Ramsay meninggal dan Raja itu berkewajiban memberikan pekerjaan untuk saingan Gainsborough dan Akademi presiden, Joshua Reynolds. Gainsborough tetap pelukis favorit keluarga kerajaan, bagaimanapun. Pada keinginan sendiri mengungkapkan, ia dimakamkan di Gereja St Anne, Kew, di mana keluarga secara teratur disembah.
Pada akhir hayatnya, Gainsborough sering dicat relatif sederhana, pemandangan biasa. Dengan Richard Wilson, dia adalah salah satu pencetus sekolah lanskap abad kedelapan belas Inggris, meskipun secara bersamaan, dalam hubungannya dengan Sir Joshua Reynolds, ia adalah pelukis Inggris dominan dari paruh kedua abad ke-18.
Dia meninggal karena kanker pada 2 Agustus 1788 pada usia 61 dan dimakamkan di Gereja St Anne, Kew, Surrey (terletak di Kew Green). Ia dimakamkan di sebelah Francis Bauer, ilustrator botani terkenal. Pada 2011, banding dilakukan untuk membayar biaya pemulihan makamnya.

 

William Hogarth
William Hogarth (10 November 1697 - 26 Oktober 1764) adalah seorang pelukis Inggris, zaman Renaisans, satiris bergambar, kritik sosial dan kartunis editorial yang telah dikreditkan dengan merintis seni sekuensial barat. Karyanya berkisar antara potret realistis untuk komik strip-seperti serangkaian gambar yang disebut "mata pelajaran moral modern". Pengetahuan tentang karyanya adalah begitu menyebar sehingga ilustrasi satir politik dalam gaya ini sering disebut sebagai "Hogarthian."

William Hogarth lahir di Tutup Bartholomew di London untuk Richard Hogarth, seorang guru sekolah yang buruk Di masa mudanya ia magang ke pemahat Ellis Gamble pada Bidang Leicester, tempat ia belajar mengukir kartu perdagangan dan produk serupa. Hogarth muda juga mengambil minat dalam kehidupan jalanan kota metropolitan dan pameran London, dan menghibur diri dengan membuat sketsa karakter yang dilihatnya. Sekitar waktu yang sama, ayahnya, yang telah membuka sebuah rumah Latin berbahasa kopi berhasil di Gerbang St Yohanes, yang dipenjara karena hutang di Penjara Armada selama lima tahun. Hogarth tidak pernah berbicara tentang penjara ayahnya.
Ia menjadi anggota Klub Rose dan Crown, dengan Peter Tillemans, George Vertue, Michael Dahl, dan seniman lainnya dan penikmat .

April 1720 Hogarth adalah seorang pemahat, pada mantel ukiran pertama lengan, tagihan toko, dan pelat merancang untuk penjual buku. Pada 1727, ia disewa oleh Joshua Morris, seorang pekerja permadani, untuk mempersiapkan desain untuk Elemen Bumi. Morris mendengar bahwa ia "seorang pemahat, dan pelukis tidak", dan akibatnya menolak pekerjaan saat selesai. Hogarth sesuai menggugat dia untuk mencari uang di Pengadilan Westminster, di mana kasus ini dimenangkan-Nya pada tanggal 28 Mei 1728. Pada 1757 ia diangkat Painter polisi pengadilan untuk Raja.

Karya satir awal mencakup Cetak Emblematical pada Skema Laut Selatan (c.1721), tentang crash pasar saham bencana 1720 yang dikenal sebagai South Sea Bubble, di mana orang Inggris banyak kehilangan banyak uang. Di sudut kiri bawah, ia menunjukkan perjudian Protestan, Katolik, dan Yahudi angka, sementara di tengah ada adalah mesin besar, seperti riang-go-round, yang orang asrama. Di bagian atas adalah seekor kambing, yang ditulis di bawah ini yang merupakan "Ride Who'l". Orang-orang tersebar di sekitar gambar dengan rasa gangguan, sementara kemajuan orang berpakaian terhadap naik di tengah menunjukkan kebodohan orang banyak dalam membeli saham di South Sea Company, yang menghabiskan lebih banyak waktu menerbitkan saham dari segalanya lain.

Karya awal lainnya termasuk The Lottery (1724); Misteri Masonry dibawa ke Cahaya oleh Gormogons (1724); A View Hanya dari Tahap Inggris (1724); beberapa ilustrasi buku, dan tulisan kecil, menyamar dan Opera (1724) . Yang terakhir adalah sindiran pada kebodohan kontemporer, seperti menyamar dari impresariat John Swiss James Heidegger, para penyanyi opera populer Italia, pantomim John Kaya di Bidang Lincoln Inn, dan popularitas berlebihan dari Tuhan Burlington anak didik, arsitek dan pelukis William Kent . Ia melanjutkan tema yang pada tahun 1727, dengan Tiket Masquerade besar. Pada tahun 1726 Hogarth disiapkan dua belas ukiran besar untuk Hudibras Samuel Butler. Ini dia sendiri yang sangat dihargai, dan termasuk di antara ilustrasi terbaik buku.

Majelis di Wanstead House. Earl Tylney dan keluarga di latar depan
Pada tahun-tahun berikutnya ia mengalihkan perhatiannya pada produksi kecil "potongan percakapan" (yaitu, kelompok dalam minyak full-length potret 12-15 masuk tinggi). Di antara usahanya dalam minyak antara 1728 dan 1732 adalah The Family Fountaine (c.1730), Majelis di Wanstead House, The House of Commons memeriksa Bambridge, dan gambar beberapa aktor utama di Opera populer John Gay Para Pengemis.
Salah satu karya nya dari periode ini adalah penggambaran dari sebuah kinerja amatir John Dryden, The Kaisar India, atau The Penaklukan Meksiko (1732-1735) di rumah John Conduitt, master mint, di St George Street, Hanover Square .
Karya lain Hogarth dalam 1730s meliputi Sebuah Percakapan Midnight Modern (1733), Southwark Fair (1733), Kongregasi Sleeping (1736), Sebelum dan Sesudah (1736), Para sarjana pada Kuliah (1736), Perusahaan dari Undertakers (Konsultasi dukun) (1736), The Poet Distrest (1736), The Four Times of the Day (1738), dan Aktris Berjalan Dressing dalam Barn (1738). Dia mungkin juga telah dicetak Burlington Gate (1731), yang ditimbulkan oleh Alexander Surat Paus kepada Tuhan Burlington, dan membela Tuhan Chandos, yang di dalamnya satir. Cetak ini memberikan pelanggaran besar, dan ditindas (beberapa otoritas yang modern tidak lagi atribut ini untuk Hogarth).

Pada 1731, dia menyelesaikan awal dari serangkaian karya moral yang pertama memberinya pengakuan sebagai seorang jenius besar dan asli. Ini Kemajuan Sebuah wanita pelacur itu, pertama sebagai lukisan, (sekarang hilang), dan kemudian diterbitkan sebagai ukiran. Dalam adegan enam, nasib menyedihkan dari seorang gadis desa yang memulai karir prostitusi di kota ini ditelusuri remorselessly dari titik awal, pertemuan bawd, untuk berakhir memalukan dan terdegradasi, kematian pelacur itu penyakit kelamin dan berikut tanpa ampun pemakaman upacara. Seri ini langsung sukses, dan diikuti pada tahun 1735 oleh sekuel Kemajuan Sebuah Rake menampilkan di delapan gambar hidup sembrono Tom Rakewell, anak seorang pedagang kaya yang buang semua uangnya untuk hidup mewah, melacur, dan perjudian, dan akhirnya selesai hidupnya di Bedlam. Lukisan-lukisan asli Kemajuan Seorang wanita pelacur itu hancur dalam kebakaran di Fonthill Abbey tahun 1755; Kemajuan Sebuah Rake ditampilkan di ruang galeri di Museum Sir John Soane, London.

 

 

Salam,

Dwi Hartoyo, SP

REFERENSI
1. http://www.biographybase.com/biography/Watteau_Antoine.html
2. http://www.artchive.com/artchive/W/watteau.html
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Antoine_Watteau
4. http://www.bookrags.com/biography/jacques-louis-david/
5. http://www.abcgallery.com/D/david/davidbio.html
6. http://www.jacqueslouisdavid.org/biography.html
7. http://www.biographybase.com/biography/Canova_Antonio.html
8. http://en.wikipedia.org/wiki/Antonio_Canova
9. http://www.answers.com/topic/antonio-canova
10 http://www.artinthepicture.com/artists/Giovanni_Battista_Tiepolo/Biography/
11. http://en.wikipedia.org/wiki/Francisco_Goya